London, die Heimat berühmter Designer wie Vivienne Westwood und Alexander McQueen, steht seit langem für Theatralik und mutige Designs. Doch in den letzten Jahren wurde die London Fashion Week von steigenden Betriebskosten und anderen Störungen nach dem Brexit sowie einem nachlassenden globalen Interesse an den Designer*innen der Stadt beeinflusst. Im Vergleich zu Modemetropolen wie Mailand, Paris und New York erhalten die Londoner Shows nur einen Bruchteil der Aufmerksamkeit, was die Stimmung beeinträchtigt hat.
Über die Herausforderungen der Branche
Zu Beginn der Veranstaltung sprach die scheidende CEO des British Fashion Council, Caroline Rush, über einige dieser Schwierigkeiten in einer Rede, die ihre 16-jährige Amtszeit abschloss. "Die London Fashion Week dreht sich darum, bedeutungsvolle Verbindungen zu schaffen und den Platz der Designer*innen auf der globalen Bühne zu festigen", sagte sie. "Diese sind herausfordernde Zeiten, aber diese Gemeinschaft ist widerstandsfähig. Aus meiner Erfahrung kann ich sagen, dass Kreativität noch intensiver ist, wenn Unternehmen mit Widrigkeiten konfrontiert sind." Im September wird Rush' Nachfolgerin, Laura Weir, gut im neuen Job angekommen sein, was ein neues Kapitel für die Branche markiert. "Kreativität, Innovation und Grenzen überschreiten sind die zentralen Aufgaben der Modeindustrie, auf die wir unglaublich stolz sind," ergänzte Rush und betonte, dass London von einer "hochoktanen Kreativität" angetrieben wird, die nirgendwo sonst auf der Welt zu finden ist.
Ein kreatives Potpourri auf dem Laufsteg
Trotz dieser Übergangsphase war die London Fashion Week voll von ungebrochener Kreativität und Talent. Von Kultnamen wie Paolo Carzana und Dilara Findikoglu bis hin zu aufstrebenden Labels wie Louther, Nuba und Olly Shinder, die als Teil des Talentinkubators Fashion East auftreten, hatten diese Kreationen im Fehlen größerer, etablierter Marken mehr Raum zum Strahlen.
Die Zuschauer warteten auf die späte Show von Findikoglu, die nach einer Pause mit einer Kollektion von körperbetonten Styles zurückkehrte. Zu den Highlights gehörten ein schwarzes Schlangenleder-Corsett, das von Supermodel Lara Stone getragen wurde, die die Show eröffnete. Der Veranstaltungsort, das Electrowerkz — ein weitläufiges Lagerhaus, bekannt für alternative Clubnächte — bot einen passenden Hintergrund für Findikoglus dunkelromantische und subversive Designs, die auch mutige Fans wie Lady Gaga, Madonna und Doja Cat angezogen haben. Unter den weiteren Höhepunkten befand sich ein hautfarbenes Lederkleid, das von dem Tattoo-Künstler Jonah Slater mit aufwendigen Kritzeleien verziert worden war, sowie Teile, die mit Muscheln bedeckt waren — eine Hommage an die Göttin Venus, die im Meer geboren wurde.
Tradition trifft Innovation
Auch der Designer Carzana hatte einen späten Abendtermin und zog rund 120 Personen zu seiner Show in einem gemütlichen Pub in Clerkenwell, einem Stadtteil, der bei Architekten und anderen Kreativen beliebt ist. Auf einem digitalen Bildschirm erschienen die Kleidungsstücke etwas zerzaust, als ob sie für die Besetzung von "Les Misérables" gedacht wären. Doch der Ansatz der langsamen Mode von Carzana, der handgefertigte Ansätze sowie die Verwendung von pflanzlichen, blühenden und gewürzbasierten Farbstoffen betont, hebt ihn deutlich von seinen Mitbewerbern ab.
Etablierte Marken wie Roksanda, Simone Rocha und Erdem blieben ihrem Stil treu und präsentierten Kollektionen, die unverkennbar ihre Markenidentität widerspiegelten. Inspiriert von der verstorbenen britischen Künstlerin Phyllida Barlow spielte Roksanda mit ungewöhnlichen Farbkombinationen wie kupferbraun und Yves Klein Blau sowie lebhaften künstlerischen Drucken. Kunst spielt auch in Erdems Kollektionen traditionell eine zentrale Rolle: Diesmal arbeitete der gleichnamige Designer mit der schottischen Malerin Kaye Donachie zusammen, die für ihre figürlichen Werke bekannt ist, um Applikationen zu schaffen, die handgezeichnet auf luftigen Stoffen wirken und die Models wie lebendige Aquarelle erscheinen lassen.
Das Erbe der britischen Mode
Ein weiteres Highlight war das Comeback von Cool Britannia bei der Marke S.S. Daley, die ikonische Bekleidungsstücke wie Trenchcoats, Regenjacken, Duffelcoats, Bomberjacken und Peacoats zu den Klängen von '80er Jahre Post-Punk-Hits von The Smiths, Siouxsie and the Banshees und den Pet Shop Boys präsentierte. Die Outerwear— die man an einem regnerischen Tag in London erwarten würde — war ironischerweise nicht ganz wetterfest. Stattdessen wurden die klassischen Stücke aus leichtem blau-weißen bedruckten Chiffon, getuftetem Filz und floralen Chintz neu gestaltet.
Die Kollektion wurde von den Scottish Colourists, einer produktiven Gruppe von Malern in den 1920er Jahren, inspiriert, die für ihren lebhaften und selbstbewussten Einsatz von Farben bekannt waren. "Die Art und Weise, wie die Werke oft 'verschmiert und faserig' wirken," sagte Steven Stokey-Daley, Gründer und Designer von S.S. Daley. Hinter den Kulissen teilte Stokey-Daley mit, dass ihn besonders Francis Cadell, einer der Scottish Colourists, angesprochen hat, der "auszog, um neue Farb Inspiration zu finden." Daher replizierte er Cadells Gemälde von Iona Croft, einer Insel an der Westküste Schottlands, auf gefilzten Teilen.
Neue Formate präsentiert
Auch außerhalb des Laufstegs gab es viel zu sehen, da mehrere Designer sich entschieden, ihre neuen Designs privat zu präsentieren, während andere Veranstaltungen für ihre Gemeinschaften veranstalteten. Saul Nash arbeitete mit dem Sportbekleidungshersteller Lululemon an einer Kollektion, während Ahluwalia mit dem Schmuckunternehmen Pandora ein Gravur-Event ins Leben rief. Andere wie Stefan Cooke und Grace Wales Bonner, die normalerweise in Paris ausstellt, legten den Schwerpunkt auf persönliche Vorschauen, während Aaron Esh, Marco Capaldo von 16 Arlington und Feben Vemmenby private Dinner veranstalteten.
Auf die Frage, warum sie in dieser Saison auf eine Show verzichtet habe, erklärte Coker, dass eine Präsentation "mehr mit der Marke und dem Unternehmen übereinstimmte". "Ich evaluiere ständig, wie ich präsentiere und Geschichten erzähle. Mein Ansatz ist sehr multidisziplinar." Dies könnte auch einen dauerhaften Wandel markieren, fügte sie hinzu. "Als junge Marke denke ich, dass eine Modenschau jede Saison nicht immer der effektivste Weg ist, um Ressourcen zu maximieren, die oft sehr begrenzt sind."
Coker fügte hinzu, dass das Label seine Kollektion über einen Showroom in Paris präsentieren wird, und als Halbfinalistin des diesjährigen prestigeträchtigen LVMH-Preises wird sie ihre Kollektion zusammen mit anderen Teilnehmern präsentieren — ein Schritt, der der Designerin sicherlich zusätzliche Sichtbarkeit außerhalb des Vereinigten Königreichs geben wird. "Paris macht für uns viel mehr Sinn, da dort Einzelhändler am Ende der Saison ihre Bestellungen aufgeben", sagte sie.
Einige Designer, darunter Jonathan Anderson, Rejina Pyo, Molly Goddard sowie Marta Marques und Paulo Almeida von Marques Almeida haben sich entschieden, die gesamte Modesaison auszulassen und sich stattdessen auf die Entwicklung ihrer Kollektionen außerhalb des Laufstegs zu konzentrieren. Auch Chopova Lowena und Knwls waren abwesend und zeigen nun nur einmal im Jahr, im September, was ihre Fähigkeit demonstriert, ein Modegeschäft zu führen, ohne sich an traditionelle Regeln halten zu müssen — was völlig in Ordnung ist.
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